25 najlepszych czarno-białych filmów, które powinieneś obejrzeć

Innowacje filmowe nie są już tym, czym były. W dzisiejszych czasach przyzwyczailiśmy się, że olśniewają nas cyfrowe wideo, 3D, rotoscoping, kręcenie z prędkością 48 klatek na sekundę... i to, co sprawia, że ​​w kinach rzucają na ciebie wodę. Ale to tylko niektóre z ostatnich skoków. Był czas, kiedy te postępy były proste. Kręcenie filmów W KOLORZE było kiedyś przełomowe.

Możliwość zmiany doświadczenia oglądania filmów poprzez uczynienie ich bardziej podobnymi do naszej codziennej rzeczywistości była oszałamiająca. Chcesz jaskrawoczerwoną plamę krwi? Gotowe. A może droga z żółtej cegły? Posortowane. To jednak nie powstrzymało filmowców przed wyborem obiektywizacji swoich arcydzieł w czerni i bieli. Niektórzy wydają nawet specjalne monochromatyczne wydania – witaj Logan! - które zbierają lepsze recenzje niż oryginalne, kolorowe wersje. Mając do wyboru tak ogromną liczbę filmów, zmniejszyłem ją do 25 najlepszych czarno-białych filmów, jakie kiedykolwiek nakręcono.

25. Pleasantville (1998)

Komediowy dramat Gary'ego Rossa rzuca nostalgiczne spojrzenie wstecz na czarno-białe programy telewizyjne z lat pięćdziesiątych. W filmie występują Tobey Maguire i Reese Witherspoon jako współczesne rodzeństwo, które po tym, jak wplątuje się w niego pilot, zostaje uwięziony w monochromatycznym świecie sitcomu Pleasantville. Czy uciekną? Czy pomyślą, że to wkurzą i zostaną? Dzięki odtworzeniu Americana z lat 50. XX wieku, od mody po dekoracje na planie, dodaje dodatkowego wrażenia stopniowemu przechodzeniu Pleasantville w technikolorze. To wspaniała wizualna opowieść.

24. Podwójne odszkodowanie (1944)

Tajemnica, intryga, podwójne skrzyżowanie i to wszystko dzieje się w rzekomo idealnej sielance przedmieść Ameryki. Kiedy wyszło Double Indemnity, kinomanów zaskoczyła prawdziwa niespodzianka: powojenna femme fatale, która nie bierze gówna. Barbara Stanwyck podejmuje główną rolę w tej adaptacji powieści Jamesa M. Caina. Jako znudzona gospodyni domowa wypatruje okazji, by pozbyć się męża, gdy puka do drzwi sprzedawca ubezpieczeń Freda Murraya. To, co sprawiło, że był to tak pionierski film, to niskie kąty, pozornie niekończące się ujęcia i to wszechobecne poczucie zagłady.

23. Artysta (2011)

Ten nagrodzony Oscarem list miłosny do niemej epoki kina opowiada o wzlotach i upadkach gwiazdy filmowej George'a Valentina (Jean Dujardin), gdy odkrywa, że ​​musi przystosować się do nadejścia dźwięku lub zostać skazanym na celuloidową historię. Cały czas zakochuje się w dobrze zapowiadającym się Peppy Miller (Berenice Bejo), którego kariera wciąż rośnie w siłę. To piękne odtworzenie tamtych czasów, od ekranowych tytułów po (prawie) całkowity brak jakichkolwiek diegetycznych dźwięków. Plus, kto nie lubi brzydkiego szczeniaka z filmu?

22. Idź na ryby (1994)

Ówczesne dziewczyny Rose Troche i Guinevere Turner piszą i produkują ten niezależny dramat, który opowiada o grupie lesbijek w Chicago. Tylko jeden wpis w boomie na gejowskie filmy w połowie lat 90., Go Fish oferuje senny montaż, wybryki łamiące czwartą ścianę i skłonność do problemów LGBT. „Wow, masz dużo herbaty…” Może jest teraz nieco przestarzały, służąc jako bardziej historyczny dokument o gejowskim stylu życia lat 90. niż współczesne życie LGBTQ, ale mimo to czerń i biel nadają filmowi szyk boho-indie, zwłaszcza w cienistych sekwencjach montażowych.

21. Pi (1998)

Według oryginalnej recenzji magazynu Total Film, Pi jest „najlepszym żydowskim horrorem roku o matematyce”, co jest sporym wyróżnieniem. Zaskakujący thriller Darrena Aronofsky'ego to dziwaczny mikrobudżet, który podąża za Maxem (Sean Gullette), który twierdzi, że cuda natury można zrozumieć za pomocą matematyki. Aronofsky kręcił na czarno-białym filmie odwróconym o wysokim kontraście, a Pi był pierwszym filmem, który to zrobił. Zainspirował go powieść graficzna Sin City, chcąc uchwycić ten sam nastrój. Powiedziałbym, że mu się udało.

20. Człowiek gryzie psa (1992)

Jeden z najlepszych czarno-białych dzieł wczesnych lat 90., Man Bites Dog jest tak dobry, że nie mogło go zabraknąć na tej liście. Stylizowany na mockumentary film śledzi ruchy seryjnego mordercy Bena, który jest nagrywany przez ekipę dokumentalną, gdy dokonuje swoich zbrodni. Najdziwniejsze elementy są zdecydowanie wtedy, gdy filmowcy zaczynają… błądzić… dołączają do zabawy. Czerń i biel sprawiają, że czujemy się, jakbyśmy oglądali surową wersję dokumentu, a także oszczędzają nam plamy bordowej czerwieni.

19. Psycholog (1960)

Hitchcock może nie stworzył pierwszego slashera, ale chłopcze, czy Psycho wprowadził tę koncepcję do głównego nurtu. Ach tak, i jest bezpośrednio odpowiedzialny za wywołanie nienaturalnego strachu przed prysznicami. Historia opowiada o sekretarce Marion Crane (Janet Leigh), która kradnie ogromny plik gotówki od swojego szefa, ale zanim może spotkać się ze swoim kochankiem, postanawia zatrzymać się na noc w tajemniczym motelu Bates. Każde ujęcie jest pełne cieni, urządzenie, które dziesięciokrotnie potęguje strach, bo tak naprawdę nie wiesz, co się z niego wyłoni…

18. Kontrola (2007)

Spojrzenie na życie piosenkarza Joy Division Iana Curtisa i reżyserski debiut Antona Corbijna. W rewelacyjnej roli Sam Riley gra Curtisa z Samanthą Morton jako jego żoną Deborah. Film śledzi duet od 1973 do ostatecznego samobójstwa Curtisa w 1980 roku. Film został nakręcony w kolorze, a następnie wydrukowany w czerni i bieli, co nadaje mu soczysty wygląd, który według Corbijna miał „odzwierciedlać atmosferę Joy Division i nastrój epoki”. On dobrze sobie poradził.

17. Uzależnienie (1995)

Abel Ferrara bada wampiryzm z niewielką pomocą Christophera Walkena i Lili Taylor jako nauczycielki i uczennicy, która nie przejmuje się wykręcaniem się, by zdać egzaminy. Ten związek polega na kontrolowaniu pragnienia; w tym przypadku nienasycona potrzeba krwi. Kręcąc w czerni i bieli, odwraca uwagę od szkarłatnych plam krwi, ponieważ film tak naprawdę opowiada o uzależnieniu od narkotyków. Poza tym czerń i biel działają lepiej, gdy twój film porusza ciężkie tematy i nawiązuje do takich postaci jak Nietzsche, Feuerbach i Husserl, prawda?

16. Młody Frankenstein (1974)

W świetle niedawnej próby Universalu, aby ponownie uruchomić swój Monster Cinematic Universe – przepraszam, Dark Universe – to dobry czas, aby ponownie przyjrzeć się ogromnemu wkurzeniu Mela Brooksa tymi wczesnymi funkcjami stworzeń. Ta monochromatyczna komedia z 1974 roku (monokomedia?) przerabia odwieczną opowieść o Frankensteinie, umieszczając wnuka Victora Frankensteina, Fredericka Frankensteina (Gene Wilder w najwyższej formie) w roli szalonego naukowca. Jako parodia nie miał innego wyboru, jak tylko odtworzyć czarno-białą paletę oryginału i trudno sobie wyobrazić, że jest tak na nosie, gdyby był kolorowy.