25 najlepszych sekwencji napisów, które wprowadzą Cię w nastrój do filmów

(Źródło zdjęcia: Searchlight/Eon/Warner Bros.)





Jeśli film jest daniem głównym, napisy końcowe są przystawką i deserem. Te smaczne kąski zaprojektowane tak, aby ukoronować główną akcję, są niezbędnymi elementami całego filmu. Najlepsze sekwencje filmowe nadają ton i ustalają styl tego, co ma nadejść, dając wgląd w funkcję, która ma się rozwinąć, bez ujawniania wszystkich jej sekretów. Niektórzy zachwycają się technicznymi czarodziejstwami, które przyprawiłyby cię o zawrót głowy, inni przyjmują prostsze, ręcznie wykonane podejście, podczas gdy inni chętnie wykorzystują ten czas na wymyślanie odlotów, gagów i ogólnych wygłupów.

Nie ma jednego sposobu na stworzenie pękającej sekwencji kredytowej, ponieważ graficy na przestrzeni dziesięcioleci stosowali wiele różnych technik. Wcześniej twórcy decydowali się na wykorzystanie praktycznych efektów, podczas gdy bardziej nowoczesne projekty opierają się zarówno na połączeniu efektów fizycznych, jak i generowanych komputerowo. Bez względu na medium lub czas trwania, produkty końcowe poniższych sekwencji filmowych są naprawdę czymś, co należy uczcić.

25. Kraina zombie (2009)

Apokalipsy w filmach rzadko są radosnymi wydarzeniami. Nie pomyślałbyś, że w oparciu o bezwzględną głupota otwarcia Zombielandu, w którym poznaliśmy postać Jessego Eisenberga, Kolumba, gdy zapoznaje się z zasadami niezbędnymi do przetrwania apokalipsy zombie. Ten makabryczny montaż przenosi się do samych napisów, gdzie reżyser Ruben Fleischer przejmuje ostateczną licencję artystyczną, aby przygotować nas na nadchodzącą zakrwawioną zomedię.



Ta sekwencja, w której użyto aparatu cyfrowego Phantom, idealnego do fotografowania w zwolnionym tempie, ukazuje mnóstwo okaleczeń zombie w całej ich krwawej, krwawej chwale. Trafne wprowadzenie do jego świata, który nie umyka rytmowi, przepełniony zagładą hymn thrash Metalliki For Whom The Bell Tolls dodatkowo cementuje los, który czeka naszą nieustraszoną grupę.

24. czerwca (2007)

Każda sekwencja kredytowa filmu zawiera wiele elementów. W przypadku Juno cała ta liczba to w rzeczywistości 900 zdjęć Ellen Page, zrobionych przez zespół projektantów męża i żony, Smith & Lee. Para następnie wydrukowała, ręcznie prześledziła i pokolorowała kserokopie tych zdjęć, zanim wycinanie każdego z osobna . To 900 zdjęć, na wypadek gdybyś zapomniał.

Ta praca projektanta miłości, Garetha Smitha, wymagała nadprzyrodzonej cierpliwości, a ich poświęcenie się opłaciło, dzięki czemu tytuły stały się integralną częścią filmu. Pozornie prosty moment następuje po Juno MacGuff, gdy idzie ze swojego domu do sklepu spożywczego ze ścieżką dźwiękową z migotliwymi dźwiękami Kimyi Dawson. Pasuje do postaci Juno, ekscentrycznej, musującej nastolatki, tak idealnie, że trudno wyobrazić sobie, by film zaczął się w inny sposób.



23. Wolny dzień Ferrisa Buellera (1985)

Ostatnie pożegnanie Ferrisa zostało uwiecznione w historii napisów filmowych. Na samym bardzo pod koniec listy kredytowej Matthew Broderick pojawia się w swojej todze, podchodzi do kamery i zwraca się bezpośrednio do publiczności: Nadal tu jesteś? To koniec. Idź do domu. Zabawny kawałek, który od tego czasu został sfałszowany przez Deadpoola w *jego* napisach. Wszyscy znają i – całkiem słusznie – uwielbiają ten moment, zapoczątkowując trend tagów post-filmowych.

Ale nie zapominajmy o komediowym złocie, które czeka w Główny napisy końcowe. Z Ferrisem, Cameronem, Jeanie i spółką. wszystko poukładane i zadowolone, reszta dnia toczy się dalej wokół dyrektora Eda Rooneya. Wciąż bez buta i noszący ślady kłótni z psem rodziny Buellerów, próbuje złapać autobus szkolny – ponieważ jego samochód był wcześniej odholowany. To brzmi *doskonale*.

22. Harry Potter i więzień Azkabanu (2004)

Nikt nie ogląda filmu o Harrym Potterze, który przewiduje sprośną scenę seksu. I chociaż napisy końcowe trzeciego wyjścia nie są do końca przepełnione erotyzmem – to wciąż film o Harrym Potterze, ludzie – zawierają odrobinę niegrzeczności. Na ekranie pojawiają się napisy końcowe jako część Mapy Huncwotów, magicznej mapy, którą Harry i spółka. użyj, aby zlokalizować ludzi w Hogwarcie.



Gdy różne ślady stóp tupią się po mapie, widzowie o orlim wzroku zauważyli dwie pary splecionych stóp, zwrócone w różnych kierunkach. Ehm. Chociaż od tego czasu został zdemaskowany jako pełnowymiarowy seksowny shenanigan – najwyraźniej był to zwykły pocałunek – sprawia, że ​​te napisy końcowe są nieco ostrzejsze niż zwykle.

Spider-Man: W Spider-Verse (2018)

Pierwsze logo Marvela i Columbii drży, oscylując między stylizacjami nowoczesnymi i retro. Fałszywe chybotanie pozwala ci wiedzieć, że jest coś innego w tym Spider-Manie; to bezczelne mrugnięcie do jąkających się światów Spider-Verse. To tylko na początek. Napisy zaczynają się właściwie, używając kolczastych balonów dialogowych, aby osadzić cię w komiksowym podłożu, dostarczając zapierającej dech w piersiach historii Petera Parkera.

W ciągu niespełna dziesięciu minut sekwencja otwierająca umożliwia szybkie poznanie postaci, łącząc ukłony w stronę wątpliwego towaru Spideya, animowane odtworzenie scen z filmów akcji na żywo, które oczywiście obejmują szturchanie okropnego tańca Pająka -Man 3 i wzmianki o jego świątecznym albumie. Zabawniejszy niż którykolwiek z filmów Spidey z 2000 roku, doskonale nadaje ton temu, co ma nadejść.



20. Ściana-E (2008)

Współczesny klasyk Pixara opowiadający o sympatycznym robocie, który wędruje po Ziemi, porządkując pozostałości cywilizacji, która ostatecznie uczyniła planetę niezdatną do zamieszkania. Podobnie jak wszystkie animowane opowieści Pixara, ten film działa zarówno dla dzieci, jak i dorosłych, a jego ostatnie napisy kontynuują historię filmu, przeplatając nadzieję na przetrwanie ludzkości z naprawdę niesamowitymi dziełami sztuki.

Dzięki pracy projektanta Jima Capobianco historia ludzkiej cywilizacji jest opowiadana poprzez inspirującą sztukę, która obejmuje naszą przeszłość, teraźniejszość, aż po naszą przyszłość. Malowidła w jaskiniach aż po dzieła renesansu są ze ścieżką dźwiękową autorstwa Petera Gabriela i Thomasa Newmana w utworze Down to Earth. Wywołuje to film na wysokim tonie, wyraźny kawałek optymizmu, który oznacza, że ​​​​wszystko nie jest stracone dla ludzi, mamy kolejne ujęcie.

19. Dr nr (1963)

Sylwetka człowieka wchodzi w kadr. Odwraca się, unosi pistolet i strzela w ekran. Spływa krew. Jest prawdopodobne, że kiedy wyobrażasz sobie sekwencję kredytową Bonda, myślisz o tym właśnie motywie. Określany jako sekwencja lufy pistoletu, ponieważ wizualnie widzimy wnętrze nieskazitelnie czystego 6 mm, ten kultowy otwór został stworzony przez amerykańskiego projektanta Maurice'a Bindera i pojawił się jako pierwszy w Dr. No. Od tego czasu służy jako moment otwarcia w większość filmów Bonda wyprodukowanych przez Eon.

Napisy Dr. No są kontynuowane w rzadkim stylu retro, z serią kolorowych kółek migających i gaszących, podczas gdy neonowe sylwetki kobiet paradują po ekranie. Znacznie mniej hałaśliwy niż późniejsze kredyty Bonda, ale jego prostota czyni cuda.

18. Sherlock Holmes (2009)

Sherlock Holmes Guya Ritchiego na nowo wymyślił publiczny wizerunek fikcyjnego detektywa, obdarowując go sześciopakiem brzucha i fryzurą w stylu shabby chic. W związku z tym sprawiedliwe jest, że za swoją nowoczesną rewolucję Holmes otrzymuje również zupełnie nowy rodzaj sekwencji kredytów końcowych. Z dala od standardowego zwoju imion, dyrektor kreatywny, nagrodzony Emmy, Danny Youst, poprowadził 14 kreatywnych projektantów z Prologue Films, aby opowiedzieć film w ostatnich chwilach.

Wychwytując zdjęcia z filmu i zmieniając je w złamanej bieli, wiktoriański styl, atrament spływa po każdym ekranie krwawiącą pisownią, gdy obrazy ożywają. Wraz z partyturą Hansa Zimmera, doskonały sposób na wysłanie najnowszego wcielenia Holmesa.

17. Naga broń (1988)

Oczywiście napisy otwierające są dobrym miejscem na upuszczenie 17 logo firmy produkcyjnej, ale są także wprowadzeniem do przygotowania publiczności. Możesz wykorzystać to miejsce na duży zrzut informacji, zrzucając wiele ważnych rzeczy do poznania. Niektórzy filmowcy również wybierają stylowe otwieracze. Zespół stojący za The Naked Gun wybrał jednak zupełnie inne podejście.

Tak, chodzi o ustawienie sceny dla głupich wybryków porucznika Franka Drebina, gdy kamera siedzi na samochodzie policyjnym, a jego światło miga, dla czegoś, co wydaje się rutynowym patrolem na ruchliwej ulicy miasta. Rutynowo, to znaczy, dopóki pojazd nie wjedzie na chodnik, ociera się garstka przechodniów, a następnie kieruje się do myjni samochodowej, do szatni, na kolejkę górską, zanim w końcu rozbije się przez okno sklepu z pączkami. Subtelny? Nie jest w najmniejszym stopniu.

16. Człowiek ze złotą ręką (1955)

Zdolność legendarnego projektanta Saula Bassa do dopasowania tonu jego zasług do filmu jest powodem, dla którego twórca filmowy Otto Preminger zatrudniał go 13 razy, aby uhonorować go. W filmie „Człowiek ze złotą ręką” z 1955 roku opartym na miejskiej powieści Nelsona Algrena o uzależnieniu, Bass zdecydował się zachować skromność.

Na ekranie pojawia się seria białych pasków na czarnym tle, zsynchronizowanych z muzyką jazzową Elmera Bernsteina. Grafika układa się w napisach końcowych w symbol wyrwanej, złamanej ręki. Sam Bass oświadczył, że ma zamiar odzwierciedlić temat samotności, nie stając się zbyt ponurym. Dziś ten niepowtarzalny styl pozostaje bez wysiłku chłodny, sam w sobie oznacza, że ​​film, który masz zamiar obejrzeć, będzie coś .

15. Wejdź w pustkę (2009)

Oglądanie napisów początkowych do Wejścia w pustkę Gaspara Noe to przeżycie. Można powiedzieć, że jest to doświadczenie podobne do wejście w pustkę . Są próbą przedefiniowania sekwencji kredytowej w całkowicie unikalny sposób. Bo tak naprawdę, kiedy ledwo można odczytać słowa na ekranie: po co one są? Prosty. Aby wrzucić cię w niepokojący świat przemocy, który jest całkowicie na krawędzi.

Fabuła opowiada o amerykańskim handlarzu narkotyków zabitym przez gliniarzy w Tokio, a ta sekwencja otwierająca ma pozornie przygotować cię na bezkompromisowe podejście Noe do tego założenia. Światła stroboskopowe zapalają się i gasną z każdym blokiem napisów końcowych, nagłośnione przez pulsowanie Freak LFO, smażące twoje synapsy. To nieprzyjemne uczucie, które jest całkowicie celowe.

14. Różowa Pantera (1963)

Podczas gdy kryminalista Blake'a Edwardsa z 1963 roku jest taka sobie, pojawia się w niej Peter Sellers jako inspektor Clouseau, nieudolny detektyw, którego zadaniem jest zlokalizowanie Upiora, złodzieja klejnotów w pogoni za wadliwym diamentem, nazwanym „różową panterą”. Legendarny rysownik Friz Freleng, znany ze swojej pracy w Warner Bros., tworząc między innymi Królika Bugsa, Yosemite Sama i Świnka Porky, stworzył nową animowaną postać na podstawie tego tytułu.

Różowa Pantera płata figle, głupstwa i ogólnie działa jak klaun, a wszystko to w rytm charakterystycznej melodii Henry'ego Manciniego. Postać okazała się takim hitem w tej początkowej sekwencji, że wystąpił we własnych programach telewizyjnych i wystąpił we wszystkich filmach.

13. To szalony, szalony, szalony, szalony świat (1963)

Mówiąc, że jego charakterystyczny styl jest oszczędny, oszczędny i na temat, jest to z pewnością jedna z najdłuższych i najbardziej szczegółowych sekwencji kredytowych Saula Bassa. It's A Mad, Mad, Mad, Mad Świat otwiera się prosto narysowaną kulą ziemską, wokół której wyłania się seria zabawnych wizualnych gagów. Ręka o grubych palcach wchodzi w kadr, aby otworzyć kulę, wyszarpując blok kredytowy, ponownie wydaje się, że rozwija kulę za pomocą klucza, aby wydobyć kolejną. Potem pojawia się kura.

W połączeniu z szaleńczym motywem muzycznym Ernesta Golda, zagracona szał grafiki krojów i zabawne szkice dodają odrobinę koloru do tego przypadkowego wybuchu pomysłów. To prosta koncepcja, która jest idealnie zrealizowana, aby pasowała do tytułu filmu, jako sposób na zasugerowanie, jak naprawdę zwariowany jest świat.

12. Deadpool (2016)

Biorąc pod uwagę, że Deadpool na stronie jest czymś w rodzaju dowcipnisia z obsesją na punkcie meta, nie było mowy o piekle, że napisy do jego nadchodzącego od dawna filmu nie będą miały takiego wpływu. Bitwa na autostradzie między tytułowym bohaterem a samochodem bandytów szybko kończy się dla złych facetów. W momencie ich zgonu kamera powoli przesuwa się przez pędzący pojazd, ukazując z bliska szkody wyrządzone oszustom, wraz z kopią magazynu People ogłaszającego Ryana Reynoldsa najseksowniejszym żyjącym mężczyzną. Kredyty rozwijają się na tej krwawej migawce.

Nawet same tytuły robią strzały w stronę obsady i ekipy, wymieniając reżysera Tima Millera jako przepłacane narzędzie i głównego bohatera Reynoldsa jako idealnego idiotę Boga. Wstępne wprowadzenie do Deadpool.

11. Strażnicy (2009)

Klasyczna powieść graficzna Alana Moore'a i Dave'a Gibbona została po raz pierwszy potraktowana na ekranie w 2009 roku wraz z pełnometrażową adaptacją Zacka Snydera. Trwający trzy godziny czas trwania wciąż nie był wystarczający, aby zapewnić widzom niezbędną historię, co doprowadziło do tej znakomicie przygotowanej sekwencji początkowej autorstwa Neila Huxleya.

Rozwijając się we wspaniałym zwolnionym tempie do Time’s They Are A’changin Boba Dylana, przedstawia drogę grupy superbohaterów od jej poprzedniego pseudonimu, Minutemen, do Strażnika. Na przestrzeni lat jesteśmy świadkami ich zaangażowania w kilka kluczowych momentów historycznych: II wojna światowa, Wietnam, zabójstwo JFK, żeby wymienić tylko kilka. Działa jako szybkie nadrobienie zaległości dla nowicjuszy w materiale, a także nadaje ton nadchodzącemu filmowi.

10. Wspaniali Ambersonowie (1942)

(Źródło zdjęcia: RKO Radio Pictures)

Drugi film Orsona Wellesa, jego kultowy melodramat The Magnificent Ambersons, zyskał rozgłos z wielu powodów – z powodu kłopotliwej produkcji i ingerencji w studio – ale nic bardziej interesującego niż ostatnie napisy. Zamiast tradycyjnego apelu, Welles postanowił przedstawić publiczność swojej obsadzie i ekipie za pomocą napisów ustnych.

W miłym hołdzie powrotnym dla jego wczesnych dni radiowych, gdy ostatni strzał zanika, barytonowy głos Wellesa przechodzi przez osoby zaangażowane w produkcję; na ułamek sekundy ich twarz pojawia się na ekranie lub pojawia się sprzęt, którego używali. Podobnie jak wiele wyborów Wellesa, jest to nietypowy wybór, który wyróżnia się znacznie, nawet jeśli w tamtym czasie otrzymał za to dużo frajdy.

9. Kierowca dziecka (2017)

Edgar Wright spędził dziesięciolecia knując Baby Driver, opowieść o napadzie opowiedzianą z perspektywy opętanego muzyką kierowcy uciekającego. Sekwencja napisów otwierających rozpoczyna się natychmiast po sześciominutowej scenie pościgu, w której podążamy za młodym Anselem Elgortem poruszającym się i tańczącym wzdłuż ulicy przy dźwiękach Harlem Shuffle.

Ale to nie jest najlepsza część: żartobliwy styl Wrighta maluje słowa piosenki wokół Baby, gdy dumnie kroczy. Pojawiają się na drzewach, na niebie i na oznakowaniu. Skacząc z gracją i bez wysiłku, aby uniknąć przechodniów, wyprawa Baby po kawę do współspiskowców to coś więcej niż zwykła kamera śledząca go, gdy pojawiają się napisy. Wright przekształca ten przypadkowy moment w taki, który wszyscy możemy rozpoznać: idąc ulicą, słuchając naszej ulubionej piosenki, czując się nie do powstrzymania.

8. Złap mnie, jeśli potrafisz (2002)

Co dziwne, napisy początkowe Catch Me If You Can nie zostały zaprojektowane przez Saula Bassa. Ta piosenka otwierająca kryminalny żart Spielberga jest wspaniałym hołdem złożonym grafikom lat 50. i 60., ponieważ filmowiec poinstruował francuskich projektantów Kuntzela i Deygasa, aby stworzyli sekwencję kredytową bezpośrednio zainspirowaną tą erą. I nie zawodzą. Linie odbijają się i wyskakują z kadru, obok gigantycznych kolorowych klocków, poruszając się w czasie z chłodną, ​​gładką uwerturą inspirowanej jazzem partytury Johna Williamsa.

Zgodnie z ogólnym duchem adaptacji Spielberga, beztroska melodia towarzyszy wycince postaci DiCaprio, uroczego oszusta, gdy przedziera się scena po scenie ściganej przez stróża prawa. Sam w sobie mały film, jest idealnym przygotowaniem do jednego z najbardziej niedocenianych filmów Spielberga.

7. Klub walki (1999)

Bombastyczne napisy początkowe Fight Club autorstwa Digital Domain zostały zaprojektowane tak, aby celowo zrazić widzów. Uderzenia szaleńczej partytury The Dust Brothers wraz z wyścigową grafiką kamery goniącej myśl przez pień mózgu narratora nie są ciepłe i niewyraźne. Te kredyty denerwują. O to chodzi.

Pierwsze ujęcie pochodzi z centrum strachu Narratora, wyruszając na zewnątrz, gdy zespół domeny cyfrowej wykorzystuje najnowocześniejszy CGI do mapowania ludzkiego mózgu w taki sam sposób, jak drzewo. Gdy kamera slalomuje wokół synaps, błyski neuronów wystrzeliwują, wszystko staje się coraz bardziej oszałamiające, a kulminacją jest cofanie się wzdłuż brudnego, tłustego grzbietu Smitha i Wessona. Zanim jeszcze zorientowałeś się, że zostałeś wprowadzony w dziwne wewnętrzne działanie Narratora.

6. Lśnienie (1980)

Czasami najprostsza opcja ma największy wpływ. W przypadku Lśnienia zamiłowanie Kubricka do długich, nieprzerwanych ujęć rezygnuje z dzwonków i gwizdów i utrzymuje stały, stały nastrój, podobnie jak napisy początkowe. Z perspektywy orlego oka kamera unosi się wysoko nad samochodem Torrance'ów, gdy wije się wzdłuż drogi, przedzierając się przez ośnieżone turnie i jodły, mijając lśniące jezioro, odsłaniając tu i ówdzie plamę wiecznie zielonych wierzchołków drzew, jest tak samo jeśli są powoli ogarniane przez coś niewidzialnego w drodze do hotelu Overlook.

Gdy kamera unosi się jeszcze wyżej, rodzinny pojazd jest ledwo widoczny, połknięty przez naturę w oczekiwaniu na swój los. Już za samą oprawę wizualną The Shining zdobywa poważne punkty za napisy początkowe, które mocno lądują w królestwie upiornego piekła, ale wisienką na torcie tej złowrogiej niedzieli jest wynik: oparty na XIII-wiecznym chorale gregoriańskim, Niechętny motyw Carlosa i Elklunda jest idealnym akompaniamentem do wejścia Torrances w odosobnioną zagładę.

5. Pan wojny (2005)

Prawdopodobnie jedna z najlepszych ról Nicolasa Cage'a w ciągu ostatnich dwudziestu lat, ta gra akcji od samego początku zanurza się w świat handlarzy bronią. Ta wyjątkowa, samodzielna sekwencja opisuje podróż kuli, od jej początków do ostatecznego celu, gdy wystrzeliwuje z lufy pistoletu.

Wzorując się na strzelance pierwszoosobowej, kamera jedzie na szczycie pocisku, śledząc jego cały cykl życia, od momentu powstania w fabryce, przez transport w kontenerze, aż do rąk gang, to naprawdę fascynująca sekwencja, która jest jeszcze bardziej imponująca dzięki filmowi Buffalo Springfield For What It Worth, granym przesadnie. Jest to z pewnością jeden ze sposobów na maksymalne wykorzystanie dwuminutowych kredytów. Jest to nie tylko wizualnie dynamiczna kreacja, ale także kreatywny sposób na dodanie dodatkowej ekspozycji do filmu – bez konieczności obsługi za pomocą niezgrabnych dialogów.

4. Zawroty głowy (1958)

Na zbliżeniu przerażonej twarzy Kim Novak pojawiają się napisy, gdy jej oczy biegają z boku na bok. Tytuł filmu wyłania się z jej ucznia, szybko ścigany przez spirograficzne obrazy, wirujące na zewnątrz. Tytuły rozciągają się w poprzek kadru, podczas gdy odpływająca psychodeliczna masa zalewa ekran. Napięty, mistrzowsko skrojony i całkowicie denerwujący, wyrazisty wstęp do Zawrotu głowy Hitchcocka, to po prostu: nastrój.

Tradycyjne, minimalistyczne dzieło Saula Bassa łączy obrazy Johna Witneya z przerażającą partyturą Bernarda Hermanna, idealnie przygotowując scenę dla trzymającego w napięciu filmu. Nic dziwnego, że ta sekwencja nadal wywołuje dyskusję na temat tego, co mogą osiągnąć kredyty, jako rozgrzewka przed głównym aktem lub jako własne arcydzieło filmowe.

3. Siedem (1995)

Mroczny, ponury thriller z połowy lat 90. Davida Finchera, któremu przypisuje się ponowne zainteresowanie sztuką tworzenia kredytów, potrzebował mrocznych, ponurych kredytów. Wchodzi: Kyle Cooper. Projektant, któremu powierzono obowiązek, zaczął szukać inspiracji u prawdziwych seryjnych morderców. W szczególności drobiazgowe nawyki, które składają się na ich codzienność. Cooper skonsultował się z Fincherem, aby wykorzystać rekwizyty z filmu użyte przez Johna Doe w jego obrzydliwych przygotowaniach.

Ścieżka dźwiękowa remiksuje „Closer” Nine Inch Nail w szaloną, niepokojącą plamę dyschordów staccato, które choć niewygodne, ponieważ słuchają, tworzą dokładny nastrój wymagany do przeniesienia publiczności w świat metodycznej dewiacji Doe. Możesz spojrzeć na współczesne sekwencje z horrorów, aby zobaczyć długotrwały wpływ Coopera.

2. Północ przez północny zachód (1959)

Linie przesuwają się w kadr, ostatecznie łącząc się w drapacz chmur. Nazwiska pojawiają się czcionką blokową, powiększając się po ekranie, co jest pierwszym przykładem takiej kinetycznej typografii, którą można wykorzystać w sekwencji napisów końcowych. Od pierwszej sekundy: nie ma wątpliwości, że Saul Bass stworzył tę kultową sekwencję. To proste, do rzeczy i pięknie synchronizuje się z filmem, który poprzedza.

Bass był naturalnym wyborem dla Alfreda Hitchcocka, który zwerbował minimalistycznego projektanta do stworzenia napisów początkowych dla North by Northwest, nawiązując do jego pracy z poprzedniego roku nad Vertigo. Jego praca, połączona z wędrującą partyturą Bernarda Hermanna, wyróżnia tę sekwencję, ponieważ siatka przecinających się linii stanowi podstawę przyszłej historii.

1. Złoty palec (1964)

Kolejny wpis dotyczący obligacji, który od dawna uważany jest za, hm, złoty standard sekwencji kredytów. Stworzony przez Roberta Brownjohna, dynamiczny początek Goldfingera to cracker, który zdobył nagrodę British Design and Art Direction Gold Award i pojawił się jako instalacja MOMA 2012 roku.

To nie jest typowa sekwencja tytułów; jest oszałamiający wizualnie i zawiera stukającą palce, zapierającą dech w piersiach melodię. Zebrane razem te elementy tworzą nastrój, który przygotowuje publiczność na to, co ma nadejść, dostarczając próbkę tajemnicy, akcji i suspensu Goldfingera. Nagrania z poprzednich filmów o Bondzie są łączone i wyświetlane na ciele aktorki Margaret Nolan, podczas gdy Shirley Bassey ujawnia charakterystyczny teraz motyw filmu.