Szalony komiksowy powrót z 1996 roku: ślub, bankructwo, crossover DC-Marvel, więcej

(Źródło zdjęcia: Marvel Comics / DC)

Wyobraź sobie rok, w którym Marvel i DC całkowicie miażdżą swoją sprzedaż, ale Dom Idei prawie eksploduje, a branża jest niszczona przez niepowodzenia biznesowe. A w tle komputer zaczyna z tobą rozmawiać.

W tym roku wydarzyło się 25 lat temu. Pamiętasz 1996 rok? Wielu tytanów przemysłu komiksowego nadal to robi.

Ustawianie sceny

Kontekst jest wszystkim, prawda? Od 1996 roku wszystko wyglądało tak…

• Komiksy cieszyły się ogromnym boomem od około 1989 do 1993 roku. Jednak w połowie 1993 roku pękła „bańka spekulacyjna”, nakłady się załamały, a wiele sklepów zbankrutowało.
• W 1991 roku, w trakcie boomu, finansista Ron Perelman kupił Marvel Comics i wykorzystał akcje Marvela do zabezpieczenia obligacji śmieciowych w celu przejęcia innych firm.
• W 1992 roku wielki talent Marvela, w tym Jim Lee, Rob Liefeld, Todd McFarlane i inni, odeszli z firmy, by stworzyć Image Comics.
• W 1994 roku Marvel kupił Heroes World, jednego z około 17 dystrybutorów, którzy przemycali komiksy od wydawców do sklepów. W 1995 roku Marvel rozpoczął samodzielną dystrybucję, wprawiając pozostałych dystrybutorów w chaos.
• X-Men zdominowali sprzedaż. Na początku roku osiem z dziesięciu najlepiej sprzedających się książek w branży to tytuły z rodziny X.
• Superman był dobrym sprzedawcą dla DC, ale zazwyczaj nie trafiał na wykresy sprzedaży, dopóki nie trafiłeś prawie nie. 20.
• Coś o nazwie „America Online” zdobywało szeroką świadomość kulturową, a darmowe dyski startowe AOL zaczęły pojawiać się niemal wszędzie.

DC kontra Marvel... i Amalgam

(Źródło zdjęcia: DC Comics/Marvel Comics)

Sprzedaż spadała. Branża była absurdalnie ciężka dzięki X-Men. Detaliści cierpieli. Komiksy potrzebowały ołowianej fajki, pewnego zwycięzcy. Na 1700 Broadway w Nowym Jorku zadzwonił telefon na biurku ówczesnego wydawcy DC, Paula Levitza. Był to ówczesny prezydent Marvela Terry Stewart. I wpadł na pomysł: limitowana seria czterech wydań, w której wszystkie postacie Marvela mogłyby spotkać wszystkich DC.

„W zasadzie rzecz zaczyna się od Terry'ego i jego troski i frustracji z powodu kształtu, w jakim był rynek”, wspomina Levitz. „Musieliśmy sprowadzić ludzi z powrotem do sklepów”.

Dwa numery zostały zatytułowane po prostu DC kontra Marvel ; pozostałe dwa Marvel kontra DC. Marvel zapewniłby zespół scenarzystów i artystów, a DC zrobiłoby to samo. Artysta Supermana Dan Jurgens został uznany za artystę po stronie DC. Wspomina pilną potrzebę rynku.

„Jednym z powodów, dla których ten projekt powstał, było to, że zarówno Marvel, jak i DC naprawdę chciały dać rynkowi coś, co naprawdę pomogłoby sprzedawcom detalicznym” – mówi Jurgens. „W komiksach jesteśmy zwykle grupą ludzi, dla których niebo zawsze spada, a wojny dystrybutorów wywołały wiele niepewności. To było coś, co detaliści mogliby naprawdę przeżuć i sprzedać kilka kopii”.

Uruchomienie było ekonomiczne. Ale duszą tego projektu był film z kumplem gliną, w którym wystąpili redaktor Marvel Mark Gruenwald i redaktor DC Mike Carlin. Carlin zaczynała jako asystentka Gruenwalda w Marvelu, zanim przeniosła się do DC. Obaj byli wieloletnimi przyjaciółmi, którzy tchnęli życie w projekt - w tajemnicy na początku.

„To było tak cicho, że tylko najwyższe szczeble w Marvel i DC na początku wiedziały, że to się dzieje” – mówi Ron Marz, scenarzysta połowy DC. „Zaprosił mnie na przyjęcie Mike Carlin, który powiedział, żebym nikomu nie mówił. Myślę, że powiedziałem mojej żonie, a potem powiedziałem jej, żeby nikomu nie mówiła. Ale z pewnością nie poinformowałem nikogo z moich przyjaciół ani kolegów z branży, dopóki nie zostało to ogłoszone.

(Źródło zdjęcia: DC Comics/Marvel Comics)

Początkowe spotkanie twórcze miało charakter płaszcza i sztyletu.

„Nasze pierwsze spotkanie w ramach projektu odbyło się w mieszkaniu Marka Gruenwalda”, mówi Marz. „Nie zrobili tego w żadnym z biur, ponieważ redakcja każdej firmy nie wiedziała, że ​​to się dzieje. Byliśmy ja, Mark, Mike Carlin i [scenarzysta Marvela] Peter David, i wypracowaliśmy całą strukturę rzeczy.

Nastąpią nieuniknione bitwy między postaciami Marvela i DC, z głosowaniem fanów determinującym wyniki. To stworzyło własną dziwną dynamikę, jak w komiksowej próżni wszechświata, planowany Wolverine vs. Lobo wydaje się łatwym zwycięstwem dla Lobo. Ale głosowanie przez wierny fandom przechyliłoby (i przechyliło) sprawy na korzyść Wolverine'a. Zaplanowano obie sytuacje.

„Wiedzieliśmy, że wchodząc, fani będą głosować i myślę, że byliśmy gotowi przyznać, że Wolverine prawdopodobnie to wygra”, śmieje się Dan Jurgens, który narysował sekwencję Wolverine kontra Lobo. — Ale zrobiliśmy dwie wersje każdej bitwy. Gdy tylko było jasne, kto wygra głosowanie fanów, bam, umieściliśmy właściwą gotową grafikę.

Projekt DC vs. Marvel był dokładnie tym, czego potrzebowali sprzedawcy detaliczni. Problemy stały się bestsellerami, jakie branża widziała od lat i nadal opłacały się dzięki Amalgam Comics, serii jednorazowych ujęć, w których pojawiały się połączone postacie Marvela/DC: JLA i X-Men stały się JLX , dr Strange i dr Fate połączyli się, aby stać się Dr Strangefate , i tak dalej. I pod koniec tego wszystkiego, fanboy - nie do pomyślenia, prawie się wydarzył: Marvel i DC prawie postanowili na stałe zamienić dwie postacie.

(Źródło zdjęcia: DC Comics/Marvel Comics)

„Nie wiem, czy pomysł przetrwał więcej niż jedno spotkanie ze mną, czy ktoś po prostu wymiotujący na stół i mówiący: „O Boże, to o wiele więcej pracy, niż mogłoby być warte” – wspomina Paul Levitz. . „Myślę, że chodziło o postacie, za którymi niekoniecznie tęsknilibyśmy, ale które potencjalnie mogłyby stać się bardziej wartościowe, wzbudzając nowe zainteresowanie innym wszechświatem”.

Pamięć Rona Marza jest bardziej wyostrzona w tym temacie.

„Omawiane postacie to She-Hulk i Martian Manhunter” – mówi. „Czułem, że to były świetne typy, ponieważ przynajmniej pod względem zestawów mocy są to jakby zbędne postacie. She-Hulk to, no cóż, lady Hulk. A Martian Manhunter jest całkiem bliski Supermanowi, tylko zielony z dużym czołem. Oboje wydawaliby się bardziej oryginalni w przeciwnym wszechświecie. Znowu, z tego, co pamiętam, pomysł był roczny, w którym postacie wracają do swoich domowych uniwersów, prawdopodobnie po to, by zostać zastąpione kolejną zamianą postaci.

Zamiana nigdy się nie wydarzyła. Ale Marvel vs DC podarował czytelnikom ogień w brzuchu i trochę potrzebnej gotówki w kasach sklepów.

Atak

(Źródło zdjęcia: Marvel Comics)

Pamiętasz X-Men rządzących grzędą? Według ówczesnego pisarza Uncanny X-Men, Scotta Lobdella, w tamtych czasach wydarzyły się dziwne rzeczy.

„Mieliśmy konferencję na temat X-Men i zapytano nas: „Gdybyś mógł napisać jakąkolwiek historię, co by to było?”, wspomina. „Powiedziałem, że chcę zrobić historię, w której X-Men są w domu, słyszą hałas, wybiegają na zewnątrz, a tam jest Juggernaut wbity w ziemię tym pięciomilowym rowem, w który został uderzony, zanim w końcu się zatrzyma i kiedy pytają go, co się stało, on po prostu mówi „Szturm” i mdleje.

Koncepcja Lobdella wydawała się zwycięska, mimo że nie wiedział, dokąd pójść dalej.

„Wszyscy mówili: „Tak, proszę bardzo”, ale to było wszystko, co miałem – wspomina. — Wtedy nie wiedziałem, kim jest Onslaught.

Tworzenie tajemnicy wokół Onslaughta i jego tożsamości stało się priorytetem redakcyjnym Marvela. i Atak stał się pomostem do jeszcze bardziej decydującego ruchu Marvela.

Odrodzeni bohaterowie

(Źródło zdjęcia: Brett Booth (Marvel Comics))

Pamiętasz X-Men rządzących grzędą? Większość reszty Marvel Universe tkwiła w rutynie, z przeciętną sprzedażą i niewielką ekscytacją. A potem stało się coś nie do pomyślenia.

Marvel ogłoszony „Bohaterowie odrodzeni” w którym cztery wieloletnie tytuły Marvela – Avengers, Captain America, Fantastic Four i Iron Man – zostałyby zlecone twórczym studiom byłych talentów Marvela, Jima Lee i Roba Liefelda, gdzie uzyskaliby nowe pochodzenie i nowe numery #1 w osobnym „Kieszonkowy wszechświat”. Umowa na 12 miesięcy była decyzją biznesową na wskroś. Twórcy otrzymywali bardzo wysokie opłaty, ale musieli osiągnąć bardzo wysoką sprzedaż.

Decyzja ta zaskoczyła redakcję Marvela i wielu postrzegało to jako odrzucenie jego pracy. Redaktorzy weszli w tryb scramble, a wschodząca gwiazda Carlos Pacheco został umieszczony w Fantastycznej Czwórce #415-#416, dwóch ostatnich wydaniach, zanim tytuł trafił do umowy „Heroes Reborn”, aby pokazać kierownictwu, jak dobre mogą być tytuły. Ale kość została już rzucona.

„Prawie wszyscy w Marvel byli zdenerwowani, gdy się dowiedzieli” — wspomina Scott Lobdell. „Od góry do dołu firma była tak sfrustrowana wysiłkami redakcyjnymi, aby przyspieszyć sprzedaż, że zamierzała zwrócić się do zewnętrznych dostawców o ponowne wyobrażenie sobie tych nieruchomości”.

Potrzebny był piętrowy most, a to był Szturm.

(Źródło zdjęcia: Marvel Comics)

„Kiedy dociera do nas wiadomość, że Marvel wysyłał te postacie do innego wszechświata, ja i [redaktor naczelny] Bob Harras siedzimy wokół, próbując wymyślić historię, która ma sens dla X-Men, aby pozostać tam, gdzie są , ale te inne postacie do zrobienia”, wspomina Lobdell. „Pytanie brzmiało: „Kto ma taką moc?” A ja powiedziałem: „Onslaught może to zrobić”. Więc zaczęliśmy zastanawiać się, dlaczego X-Men też mieliby być w to zaangażowani. Ale naprawdę, kiedy pojawiła się potrzeba Heroes Reborn, dokonaliśmy inżynierii wstecznej tworzenia Onslaught”.

Tom Brevoort był wówczas redaktorem Marvela i pozostaje nim do dziś. Wspomina także „Heroes Reborn” jako zmianę sejsmiczną.

„To była zdecydowanie zmiana w porównaniu z tym, co działo się wcześniej w Marvelu” – mówi. „Pomysł, że zlecisz na zewnątrz takie postacie, był niezbadanym terytorium. Mógł to oznaczać koniec Marvela jako instytucji wydawniczej i początek Marvela jako agencji licencyjnej, w której postacie były umieszczane wszędzie razem z innymi ludźmi.

Co dziwne, Lobdell szedł po obu stronach ulicy. Nadal pisał Uncanny X-Men dla Marvela, a także napisał nowego Iron Mana w „Heroes Reborn”. Nie żeby to było łatwe.

„Byłem bardzo, bardzo nielubiany” – mówi dzisiaj Lobdell. „Ale zawsze chciałem zrobić następną rzecz zamiast ostatniej. I to była następna rzecz. Poza tym zawsze uważałem, że najważniejszą rzeczą w tej firmie [Marvel] są postacie, a nie twórcy, redaktorzy czy marketerzy. Dla mnie praca nad postacią zastąpiła wszelką frustrację i niechęć innych ludzi do mnie”.

W „Heroes Reborn” zawinięty był zatruty kielich: Kapitan Ameryka. Cap rozwijał się dzięki nowemu zespołowi kreatywnemu, składającemu się z pisarza Marka Waida i artysty Rona Garneya, którzy rozpoczęli działalność zaledwie kilka miesięcy przed ogłoszeniem umowy „Heroes Reborn”. Ale to była część umowy i pomimo rosnącej sprzedaży i uznania krytyków, Cap udał się do kieszonkowego wszechświata. Nowy Cap i twórca Rob Liefeld stał się obiektem drwin. Trzeba mu przyznać, że Liefeld próbował uspokoić burzę.

„Schwytał mnie”, mówi Mark Waid. „Rob przefaksował mi swoje 22 strony tego pierwszego numeru, aby zapytać, czy chcę nawiązać z nim dialog, aby zachować część ciągłości twórców. Spojrzałem na to i powiedziałem „nie, dziękuję”. To po prostu nie było dla mnie, tego wielkiego, gigantycznego Kapitana Ameryki z beczkowatą klatką piersiową i nastoletniego pomocnika. Po prostu nie czułem się z tym dobrze. Ale zadzwonił do mnie i zaproponował mi pisanie scenariusza nad swoją fabułą i ołówkami.

„Heroes Reborn” miało swoje przystanki i starty. Po sześciu wydaniach, powołując się na to, że nie osiągnięto wskaźników sprzedaży, Marvel anulował kontrakt Liefelda i przeniósł jego książki do Lee. Następnie, ponieważ Marvel nie mógł na czas zebrać swoich planów, aby odzyskać książki po 12 numerach, do „Heroes Reborn” dołączył trzynasty numer.

(Źródło zdjęcia: Marvel Comics)

Marvela trapiły jeszcze większe problemy. Firma umierała pod ciężarem finansowych machinacji Rona Perelmana.

Ogłoszono „Heroes Reborn”, a trzy, cztery tygodnie później mieli tu ogromny ulew krwi”, wspomina Tom Brevoort. „Pozwalają na odejście ogromnej liczby ludzi ze wszystkich warstw Marvela”.

Brevoort wspomina czystkę.

– Siedziałbyś w swoim biurze i telefon mógłby zadzwonić. Kazano by ci iść korytarzem do biura Boba Harrasa i powiedziano by ci, że cię skaleczą. Ktoś z HR też by tam był, a ty dostaniesz odprawę. A kiedy odebrano pierwszy telefon, wszyscy w redakcji wiedzieli, że to się dzieje, i wszyscy żyjemy pod mieczem Damoklesa, modląc się, żeby telefon nie dzwonił.

Praktyczne tragicznie spotkało się z symbolicznym 12 sierpnia 1996 roku, gdy ukochany redaktor Mark Gruenwald zmarł na atak serca. Miał tylko 43 lata. Wiadomość zmiażdżyła personel, który już i tak trząsł się z powodu masowych zwolnień i przerażających zmian.

„Dosłownie, między ostatnimi „zwykłymi” wydaniami Kapitana Ameryki a pierwszymi wydaniami „Heroes Reborn”, Mark umarł” — wspomina Tom Brevoort. „Wiem, logicznie rzecz biorąc, jedno nie ma nic wspólnego z drugim, ale wydawało się to przerażające. Wydawało się duże. Wydawało się, że przeznaczenie mówi: „Tak, to koniec ery”.

Przyjdź królestwo twoje

(Źródło zdjęcia: Alex Ross (DC))

Marvel Comics był domem w ogniu, ale DC Comics był stałym statkiem. DC jeszcze bardziej dopracowało swój wizerunek dzięki prestiżowemu projektowi, który dał wgląd w jego możliwą przyszłość – Przyjdź królestwo twoje .

Limitowana seria czterech wydań została napisana przez Marka Waida i zawierała bujną, namalowaną grafikę Alexa Rossa. Ross przybył do DC z 40-stronicowym odręcznym szkicem i wieloma projektami postaci, ale DC potrzebował dla niego partnera.

„To była podstawowa koncepcja Alexa: bohaterowie przechodzą na emeryturę, pojawiają się nowi bohaterowie” – mówi Mark Waid. „Miał wiele naprawdę interesujących rysunków i projektów, ale nie miał jeszcze żadnej tekstury. Potrzebowało czegoś, i właśnie tam wszedłem, ponieważ byłem ekspertem od DC Comics.

Kingdom Come było pełne pisanek, sprytnych zwrotów akcji „to może być przyszłość” i całej obsady uniwersum DC. Podbiła branżę szturmem, zgarniając nagrody i sprzedając ogromne ilości. To także, nieumyślnie, pomogło rozniecić maleńką iskrę, która stała się ogromnym kulturowym płomieniem.

Powstanie Internetu

(Źródło zdjęcia: Alex Ross (DC))

„To Kingdom Come zmieniło wszystko” – mówi Jonah Weiland. „Po przeczytaniu pierwszego numeru to był dzień, w którym zdecydowałem, że chcę znaleźć sposób na komiks. Ta książka stworzyła i napędzała we mnie pasję”.

Weiland był jednym z wielu ludzi kręcących się wokół tej nowej rzeczy zwanej „superautostradą informacyjną” na modemach o szybkości 9600 bodów w 1996 roku. Miał już stronę z linkami do komiksów, ponieważ Google nie istniał w 1996 roku. Dodał nieoficjalnego fana Kingdom Come strona.

„Chciałem trochę programować, stworzyć społeczność”, wspomina Weiland. „A po tym, jak cztery numery zostały zakończone, miałem społeczność, która publikowała ponad 250 razy dziennie, co w kategoriach z 1996 roku mogło być równoznaczne z milionami tweetów. To było niesamowite i czułem się odpowiedzialny za tę społeczność. To stało się podstawą dla Comic Book Resources.

CBR.com stał się gigantem komiksów internetowych. Ale to nie był plan Weilanda.

„Zaczęło się to absolutnie jako hobby”, mówi. 'Nie mam pojęcia; Nie miałem wtedy planu. Po prostu dobrze się bawiłem. Dopiero trzy do czterech lat później, między CBR a moją inną firmą, Boiling Point, firmą hostingową, mogłem rzucić pracę. I będę szczery, te pierwsze lata były dość brutalne w moim portfelu. Ale wkrótce potem zacząłem dostrzegać potencjał”.

Część potencjału dostrzeżono w (alarm samoświadomości; tak, wiemy, gdzie to jest publikowane) Newsarama. Strona rozpoczęła się jako cotygodniowe podsumowanie wiadomości o komiksach na AnotherUniverse.com. Mike Doran i Matt Brady byli pierwszymi głównymi bohaterami medium, które wydawało się nowe i prawie niebezpieczne.

„Coś zaczęło się łączyć”, wspomina Brady. „Wychodził z [wczesnych forów internetowych] Usenetu i coraz więcej ludzi go znajdowało. I był głód informacji. To była partyzantka, każdy, kto pisał o komiksach, mógł znaleźć wskazówki dotyczące newsów w Usenecie. Byli przyjaciele artystów i ludzie, którzy nie powinni byli mówić i ludzie, którzy powinni byli wiedzieć lepiej. Rok 1996 był jeszcze wczesny. To było grzechotanie w pudełku i ludzie się temu przyglądali.

Fani z pewnością szukali w pudełku, podobnie jak twórcy.

„Istniały spekulacje na temat tego, co internet może kiedyś oznaczać dla komiksów, ale nie sądzę, abyśmy mogli przewidzieć konkrety” – mówi Dan Jurgens. „Mieliśmy przekonanie, że „kiedyś będziesz miał skaner i będziesz mógł przesyłać swoje prace przez internet”, ale nie pamiętam, żeby ktoś mi mówił, że fandom zbuduje się w Internecie, a tym samym w prasie komiksowej a wydarzenia promocyjne byłyby budowane wyłącznie w Internecie. Nikt nie wpadł na pomysł, że przeczytasz komiks na telefonie, który następnie schowasz do kieszeni. Więc oczywiście wszystko to miało ogromną transformację, ale wtedy o tym nie wiedzieliśmy”.

Kolejna ogromna transformacja w biznesie również zbliżała się do końca.

Ostatni dystrybutor komiksów stoi

(Źródło zdjęcia: Dystrybutorzy Diamond Comics)

Marvel kupił Heroes World, regionalnego dystrybutora komiksów, w 1994 roku. W 1995 Heroes World był wyłącznym dystrybutorem Marvela. Nagle system dystrybucji, który istniał w delikatnej równowadze przez 20 lat, pogrążył się w chaosie.

„Biorąc pod uwagę, że Marvel reprezentował od 30 do 35% naszego wolumenu, było to katastrofalne wydarzenie dla wszystkich” – mówi Steve Geppi, prezes Diamond Comic Distributors.

Diamond był wiodącym psem na rynku z około 45% wolumenu przemysłu komiksowego. Zdecydowanie drugie miejsce zajęła Capital City Distribution z około 30%. Pozostałych około 15 dystrybutorów regionalnych stanowiło pozostałe 25%. Diamond i Capital City zostały pobite. Mniejsi gracze wypadli z biznesu. Ale najbardziej ucierpiały sklepy.

„Detaliści zostali poważnie uszkodzeni, ponieważ Heroes World nie miało możliwości obsługi dystrybucji poza swoim terytorium, a Marvel nie miał pojęcia, jakie możliwości logistyczne ma Heroes World” – mówi Milton Griepp, ówczesny współwłaściciel Capital City. „Społeczność handlu detalicznego jest fundamentem, z którego wypływają wszystkie pieniądze”.

Heroes World był nękany przez spóźnione dostawy, brakujące i uszkodzone przesyłki. A kiedy sklep nie dostaje swoich książek Marvela nawet przez tydzień, trudno jest utrzymać otwarte drzwi. Pogłębiasz problem? Z chwilą, gdy Heroes World zostało wyłącznym dystrybutorem Marvela, stało się również upadającym biznesem.

„Popełnili fatalny błąd, mówiąc światu, że nie będą nosić niczego poza Marvelem” – wspomina Steve Geppi. „I chociaż cała objętość Marvela w Heroes World była znacząca, to samo w sobie nie było wystarczające, by uzasadnić opłacalny system dystrybucji”.

(Źródło zdjęcia: Dystrybutorzy ze stolicy)

Po tym, jak Marvel został wycięty z tortu dystrybucyjnego, Diamond i Capital City toczyli wojnę o podpisanie innych wydawców na wyłączność. DC był nagrodą śliwkową.

Diamond dostał DC wraz z Dark Horse Comics i Image Comics.

Stolica dostała Kitchen Sink i Viz Media.

Napis wisiał na ścianie, aw lipcu 1996 Capital City sprzedał się Diamond, pozostawiając tylko Diamond i Heroes World. Na koncie firmy Diamond kupił Capital City. Nie tylko czekali, aż firma się rozpadnie, a potem pozbierali kawałki.

„To prawda, że ​​bylibyśmy jedynymi”, mówi Geppi. — Ale upadek kapitału nie leżałby w moim interesie. Ponieważ wielu małych wydawców nie otrzymałoby zapłaty. Gdyby Capital nie mógł zapłacić tym małym wydawcom, a nawet niektórym większym, dla wielu z nich byłoby to katastrofalne. A to ostatecznie zaszkodziłoby mojej firmie. Więc czułem, że to słuszne, i tak, po zawarciu umowy, każdy wydawca, któremu Capital był winien pieniądze, otrzymał pełną zapłatę. To było szczęśliwe zakończenie, które wyszło ze złej sytuacji”.

Heroes World trwało do 1997 roku, zanim upadło, a Diamond przejął dystrybucję Marvela. Ale nie popełnij błędu: w międzyczasie, między ogólnym załamaniem się rynku a wypchnięciem sklepów z rynku w wojnach dystrybucyjnych, branża komiksowa straciła 62% swojego wolumenu.

„W 1993 r., kiedy Diamond stanowił 45% firmy, cały biznes kosztował 500 milionów dolarów w sprzedaży hurtowej. Po tym, jak Marvel wrócił i byliśmy prawie całym światem, mieliśmy tylko 186 milionów dolarów w sprzedaży hurtowej” – mówi Steve Geppi. „Przemysł wywrócił się w środku”.

Geppi wie, że ruch Heroes World zmusił rękę do konsolidacji dystrybucji.

„Ale jeśli pozwolisz mi być, jak to nazywam, bardzo obiektywnym w tej sprawie, to prawie musiało się wydarzyć” – mówi. „Zbiorczy wolumen, jaki przemysł reprezentował w 1996 lub 1997 roku, nie wystarczył, by wesprzeć wszystkich tych dystrybutorów. Posiadanie jednego dystrybutora, z dużymi wydawcami, którzy mogą skonsolidować swoje działania marketingowe w jednym miejscu, oraz zawarcie, ogólnie rzecz biorąc, umów brokerskich, w których ustalali oni harmonogram rabatów, a zapasy były ich własnością, pozwoliło dystrybutorowi zagłębić się w inwentarz w małych wydawnictwach. W dziwny sposób mogło to być tym, co uratowało branżę”.

Geppi mówi, że w 2015 roku przemysł komiksowy w końcu powrócił do swoich szczytów w 1993 roku, wynoszący 500 milionów dolarów w sprzedaży hurtowej. Trwało to ponad 20 lat.

Superman bierze ślub

(Źródło zdjęcia: DC)

Koniec roku przyniósł ważne spotkanie towarzyskie – ślub Supermana i Lois Lane. Ich zaręczyny przeciągały się przez jakiś czas…

„Kiedy podjęliśmy decyzję, że Clark i Lois się zaręczą [w 1990 r.], można uczciwie powiedzieć, że nie mieliśmy trudnej daty, kiedy ślub miałby się odbyć” – mówi pisarz/artysta Supermana, Dan Jurgens. „Pomyśleliśmy, kto wie? Może to było 5, 10, 20-letnie zaręczyny? Właściwie zaczęliśmy planować to na [1992] Superman #75 , który stał się czymś zupełnie innym [słynna „Śmierć Supermana”.

Ale Superman: Przygody Lois i Clarka Program telewizyjny postanowił poślubić parę, a komiksy szybko poszły w ich ślady.

„Kiedy telewizyjni goście zdecydowali: „Musimy to zrobić w tym sezonie”, zdecydowaliśmy, że komiksy muszą się zgadzać”, wspomina wydawca DC Comics Paul Levitz.

DO Album ślubny Supermana z udziałem kilkudziesięciu pisarzy i artystów.

„Album ślubny dał nam szansę, aby każdy, kto kiedykolwiek był związany artystycznie z Supermanem, który jeszcze żył, zaangażował się w książkę” – mówi Jurgens. „Dało nam to nawet szansę, by pośmiertnie użyć stron [ukochanego, wieloletniego artysty Supermana] Curta Swana. Wspaniale było zaangażować go w każdy możliwy sposób, poczuć tę obecność. Nadal uważam to za bardzo szczególny projekt, bardzo wyjątkową książkę”.

Ciekawostki, wpływ i przyszłość

(Źródło zdjęcia: DC Comics/Marvel Comics)

Pomyśl o tym: Marvel i DC stworzyły ogólnofirmowy crossover z dziesiątkami spin-offów. Wszystko dla dobra rynku. Tak było w 1996 roku, ale wydaje się niemożliwe w dzisiejszym świecie otoczonych murami królestw IP.

„Kiedy to zrobiliśmy, był to projekt komiksowy”, mówi dziś Ron Marz. „Ale 20 lat później mamy do czynienia z wielomiliardowymi franczyzami i farmami własności intelektualnej. Tak urósł komiks. Nie mówię, że to dobrze czy źle; to tylko rzeczywistość sytuacji. Te postacie teraz, ze względu na sukces transmedialny, są teraz warte setki razy więcej pieniędzy niż 20 lat temu. A kiedy należą do macierzystych megakorporacji, ten rodzaj wolności i zabawy, jaki mieliśmy, robiąc to w 1996 roku, prawdopodobnie należy już do przeszłości”.

Albo to jest?

„Jeśli zajdzie pilna potrzeba, może się to powtórzyć” – powiedział Tom Brevoort w 2015 roku. „Przemysł komiksowy ma tendencję do dobrego funkcjonowania, kiedy trzeba, kiedy jest pustka do wypełnienia. Wydaje się, że lepiej reagujemy na przeciwności niż na dobre czasy. Ale ponieważ Marvel i DC stały się bardziej pionowo zintegrowanymi firmami, a nie tylko wydawnictwami, trudniej jest wypełnić tę lukę. Czy to się może zdarzyć? Jasne, że może. Ale pragnienie musi tam być i musi być na wysokim poziomie. Ponieważ teraz niepokoi się nie tylko to, co oznacza dla Supermana i Spider-Mana połączenie w tym komiksie, ale także, co to oznacza dla właściwości filmu? Ludzie, którzy są zaangażowani w wiele, wiele różnych obszarów biznesu, musieliby spotkać się razem i zobaczyć korzyści płynące z takiej rzeczy. Nie jest to niemożliwe, ale jest trudne.

(Źródło zdjęcia: Marvel Comics)

Sam Dan Jurgens był dziwnym przypisem w 1996 roku: pisał jednocześnie Sensacyjnego Spider-Mana dla Marvela i Supermana dla DC, czego zwykle nie robi się w dzisiejszych czasach. To nie tylko postacie na krótkiej smyczy – to także talent.

„Myślę, że teraz [Marvel i DC] chcą chronić swoje plany trochę bardziej niż wtedy, i są trochę bardziej zainteresowani pojęciem „budujemy plan wydawniczy na lata” Jurgens mówi. „I z tego powodu może nie chcą, aby jego kluczowi gracze w kluczowych księgach dzielili się tym po drugiej stronie ulicy”.

Po stronie Marvela rok 1996 zakończył się kiepsko. W grudniu firma ogłosiła upadłość na podstawie Rozdziału 11 (restrukturyzacyjnego). Paul Levitz wspomina ten czas jako czas wielkiego smutku.

„Bankructwo Marvela było niezwykle dziwną rzeczą” – mówi. „To było dziwne bankructwo, ponieważ to nie biznes Marvela upadał, ale inżynieria finansowa, którą Ron Perelman wykonał z funduszami firmy, która doprowadziła ich do bankructwa. To było smutne i straszne tortury dla pracowników, którzy przez to przeżyli. Ogromnie szanuję pracę Boba Harrasa w tamtym okresie, spajając cały proces redakcyjny. Do dziś naprawdę nie wiem, jak on to zrobił.

Ale Levitz uważa również, że spuścizna 1996 roku ostatecznie zbudowała silniejszy biznes.

(Źródło zdjęcia: Dave Gibbons (DC))

„Najbardziej trwałym elementem jest zmiana systemu dystrybucji” – mówi. „Pod wieloma względami ułatwiło to rozwój powieści graficznej. W przeważającej części, w starym systemie, sprzedawca detaliczny nie mógł zamówić egzemplarza Strażników [miękka oprawa] bez zamówienia pudełka z 18 sztukami. A żaden sprzedawca nie mógł sobie pozwolić na posiadanie 18 egzemplarzy Strażników na raz, a tym bardziej pełne pudełko wszystkiego, co sprzedawało się mniej niż Strażnicy.

Przygotowano umowy maklerskie, o których wspomniał Steve Geppi: wydawcy mieli mieć własne zapasy w magazynach Diamonda, dopóki książki nie zostaną sprzedane.

„Zaprojektowaliśmy zmiany w systemie tak, aby można było uzyskać jednoczęściowe i dwuosobowe ubrania w taki sam sposób, jak w tradycyjnym biznesie książkowym” – mówi Levitz. „Gdy tylko to zmieniliśmy, branża powieści graficznych zaczęła się rozwijać w zdrowszym tempie”.

Scott Lobdell uważa, że ​​dzisiejsza kultura ponownego uruchomienia i ponownego uruchomienia (Hello, Star Trek; i co do cholery, ty też, Space Jam) ma swoje korzenie w „Heroes Reborn” z 1996 roku.

„Dzisiaj stało się to niemal comiesięcznym wydarzeniem, ale w tamtym czasie było to dość oszałamiające i można argumentować, że to jedno wydarzenie otworzyło śluzy” – mówi Lobdell. „I ustanowił precedens: zaledwie kilka lat później Marvel dał Jimmy’ego Palmiottiego i Joe Quesada Marvel Knights, co dało początek linii Ultimate, która była rodzajem wewnętrznej wersji „Heroes Reborn”.

Ze swojej strony Dan Jurgens postanawia pamiętać dobre czasy.

„Przypomina mi, jak zabawne były lata 90.!” on mówi. „Wiem, że ludzie uwielbiają pruć komiksy z lat 90. na wiele różnych sposobów, ale człowieku, przechodzisz przez to, a mieliśmy dekadę rzeczy, które działy się w tak niesamowitym tempie, że nie mogło to nic poradzić na to, że było to zabawne dla fanów , dla profesjonalistów i dla detalistów. Tyle się działo.

Mówiąc o szalonym komiksie z 1996 roku, przyglądamy się najlepsza postać Marvela, która debiutowała w każdym roku lat 90. w ramach Marvel Yearbook , nasza sześcioczęściowa seria z okazji 60-lecia Marvel Universe .